Setdart

Setdart Auction was founded in 2004 and is currently the leading online art auction in Spain. Apart from art they specialise in sculptures, jewellery, archaeology, furniture, antiques and lamps.

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Objects "Setdart"

Agustí Puig Pinyol (Sabadell, 1957)

Agustí Puig Pinyol (Sabadell, 1957). Sin título, 2002. Técnica mixta sobre tela. Medidas: 264 x 210 cm. Firmado y fechado al dorso. Agustí Puig estudió en la Escuela de Artes y Oficios de Sabadell, y a continuación en la Massana de Barcelona. Su pintura, en constante evolución, tuvo inicialmente como base la contemplación de la naturaleza y el paisaje, abstrayendo elementos como la luz y el color. Puig cultiva también el cartelismo, la ilustración, el diseño gráfico y la escultura, siempre con diferenciadora personalidad. Ha participado en numerosas muestras colectivas, entre ellas la II Bienal de Arte Joven (Barcelona, 1985) y la Feria Internacional de Hannover (1990). Ha sido galardonado con mención honorífica en el Premio de Dibujo Joan Miró (1985), y premiado en la Muestra de Arte Joven (1987). Entre sus exposiciones individuales cabe destacar las celebradas en las galerías René Métras de Barcelona (1987, 1989 y 1991), Egam de Madrid (1988), Luis Adelantado de Valencia (1989), SIC de Vigo (1990), Fernando Latorre de Zaragoza (1993) y Van Art de Madrid (1997). Asimismo, ha celebrado muestras personales en salas extranjeras como el Centre les Hautes de Belleville de París (1988), la galería Esse de Colonia (1990), la Jadite de Nueva York (1992), la Futaba de Tokio (1992), la Messum’s de Londres (2002- 2005) y la DeNovo de Chicago (2009). A partir de finales de los noventa, Puig se aparta de su temática anterior para centrarse en elementos de la vida cotidiana, con sillas, zapatos o sombreros, que recrea con aparente espontaneidad en una visión esencializada, llena de sutileza, en la que la economía de medios dota a las imágenes de un cierto carácter mágico y simbólico. Actualmente, Agustí Puig cuenta con obra en permanencia en las galerías Giart de Girona, Set Espai d’Art de Javea y Messum’s London, en Londres. También está representado en la Fundación Vila Casas de Barcelona.Read more

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  • 1h
Low estimate
7 400 USD

Atribuido a EUGENIO LUCAS VELÁZQUEZ (Madrid, 1817 – 1870)

Atribuido a EUGENIO LUCAS VELÁZQUEZ (Madrid, 1817 – 1870). “La Comunión”. Óleo sobre lienzo. Es pareja con el lote 35077612. 50 x 38 cm; 67 x 56 cm (marco). Mencionado desde el siglo XIX como Eugenio Lucas Padilla, o Eugenio Lucas el Viejo, fue el artista romántico español que mejor supo entender el arte de Goya. Formado en el neoclasicismo de la Academia de San Fernando, pronto da un giro a su formación y se dedica a estudiar a Velázquez y, sobre todo, a Goya, cuyas obras admira y copia en el museo del Prado. En la pintura de Goya, Lucas Velázquez halló el punto de partida para desarrollar una pintura personal imaginativa, de visiones fantásticas y pasiones desatadas, dentro del más puro estilo romántico. También de Goya toma la temática, y pintará escenas de la Inquisición, aquelarres, romerías y toros. Además pintó, en el año 1850, el techo hoy desaparecido del Teatro Real de Madrid, y más adelante fue nombrado pintor honorario de cámara y caballero de la orden de Carlos III por la reina Isabel II. Como buen romántico, realizó varios viajes, entre los que destacan sus estancias en Italia, Marruecos y París. Sus obras se caracterizan por la utilización de una pincelada briosa y de factura desenvuelta, sin preocupaciones dibujísticas, con una materia densa y empastada de gran riqueza cromática y con la presencia de fuertes claroscuros. Alcanzó gran éxito como pintor costumbrista y de escenas de carácter fantástico y siniestro, si bien es cierto que también fue un excelente paisajista y retratista. Su obra se halla muy bien representada en el museo del Prado, y también en otros centros como el museo de Bellas Artes de Bilbao, el museo Nacional de Arte de Cataluña, el museo Lázaro Galdiano, el Museo Británico, el Metropolitan de Nueva York y el museo Goya en Castres (Francia).Read more

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  • 13d 1h
Low estimate
3 700 USD

JUAN ANTONIO REVERTE OLIVA (Monteagudo, Murcia, 1943 – Gavà, Barcelona, 2014)

JUAN ANTONIO REVERTE OLIVA (Monteagudo, Murcia, 1943 – Gavà, Barcelona, 2014). “Águilas, Murcia”. Óleo sobre lienzo. Firmado en el ángulo inferior derecho. Firmado y titulado al dorso. Adjunta certificado emitido por el pintor, con firma notarial. Medidas: 65 x 81 cm; 93 x 109 cm (marco) Nacido en la localidad murciana de Monteagudo, Antonio Reverte se instaló en Cataluña en 1961, en la localidad barcelonesa de Viladecans. Allí trabajará durante años como albañil, hasta que un accidente laboral le hizo perder una mano. Este hecho dramático le llevará a una depresión de la que, sin embargo, logró salir gracias a la pintura. Se inicia entonces en el arte, hacia el que siempre había sentido inclinación, y a principios de los años setenta comienza a contactar con otros pintores de la zona, a tomar parte en concursos y a obtener premios y distinciones. Decide entonces dedicarse plenamente a la práctica artística, a sus cuarenta y siete años. Desde entonces pintará en su estudio, naturalezas muertas y figuras, y también al aire libre. De hecho, recorrerá toda Cataluña pintando sus paisajes. Retrató la Rambla de Barcelona en innumerables ocasiones, y sintió una especial fascinación por el delta del Ebro. Pintor autodidacta, en su obra se aprecian ecos de Sorolla, dado que los suyos son siempre paisajes de luz. Reverte fue distinguido con la Mención Especial de la Exposición Nacional de Pintura de 1977 y 1978, el Primer Premio de Pintura de Castelldefels de 1977 y 1978 y el Premio Ciudadano Europeo del Foro de Europa 01 en 2004. Asimismo, durante los años ochenta compaginó la práctica artística con la docencia, que ejerció en su escuela de pintura de Castelldefels y como profesor y director del Centro Cultural de la localidad. Desde su debut en solitario en 1978, celebró exposiciones en diversas ciudades de España, Portugal y Andorra, y actualmente está representado en colecciones particulares de Estados Unidos, Suecia, Alemania, Holanda, Italia, Francia, Reino Unido y otros países, colecciones entre las que se encuentran las de Bill Clinton y el Vaticano.Read more

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  • 4d 1h
Low estimate
1 200 USD

Escuela Pichhwai, India, s

Escuela Pichhwai, India, s.XIX. "Krishna y Radha". Técnica mixta sobre lienzo. Medidas: 87 x 160 cm.; 90,5 x 163 cm.(marco). El arte Pichhwai es un género tradicional de la India consistente en imágenes devocionales realizadas en tela o papel que representan a Krishna en diferentes etapas de su vida. Se cree que su principal cometido, aparte de sus fines decorativos, era narrar la vida del dios al pueblo iletrado. En esta escena, vemos al dios Krishna junto a Radha, flanqueados por gopis o doncellas pastoras. En primera línea, vacas sagradas, y debajo el río Yamuna con flores de loto. La composición es simétrica, colorista y elegante, siguiendo los patrones estilísticos de este peculiar arte originado en Nathdwara, en Rajasthan. Krishna, avatar de Visnu, es muy apreciado en la India por su cometido como dios protector y compasivo, restablecedor del orden cósmico. En el tributo que se le rinde se hace alusión a su función pastoral, “el que complace a las vacas, la tierra y los sentidos”, siendo también conocido como Govinda, “el que da placer a las vacas”. Inicialmente su piel lucía un color negro, pues también se le conocía como “El Señor Oscuro”, pero en el siglo XIX se impone el azul en sus representaciones. Krishna pasó su adolescencia en la región de Vrindavan entre pastores y pastoras, a una de las cuales sedujo, Radha. Aunque también tuvo otros amoríos, pues a diferencia de Rama (el otro avatar de Visnu), fiel esposo acatador de reglas, Krishna fue encarnación divina de la sensualidad y el amor. El arte indio ha conocido importantes tradiciones pictóricas, desde las murales en las antiguas cuevas de Ajanta hasta el arte en miniatura Kangra, destacándose asimismo el Arte Pichhwai, antigua forma de arte (se popularizó entre los siglos XVII y el XIX) ampliamente apreciada para representar a Krishna que se originó en la ciudad sagrada de Nathdwara. En esta población de casas encaladas, la pintura tradicional era práctica común en los hogares que pintaban las paredes y puertas de su casa con bellas escenas. Los Pichhwai expresan admiración entusiasta por Krishna: los artistas tomaban episodios específicos para festivales de acuerdo con el calendario litúrgico del grupo religioso Vallabhacharya. La tradición pichhwai consistía en sus inicios en tela almidonada hecha a mano, pintada con colores naturales extraídos de vegetales y frutas. Las imágenes de la cultura Nathdwara se reconocen al instante en la forma en que está pintado Krishna y por sus elementos decorativos. Estilísticamente se define por ser estático, como si los elementos naturales estuvieran congelados, atendiendo a su condición imperecedera. El primer tema que introduce la vida de Krishna es su representación sosteniendo el Monte Govardhana para proteger a la gente de las fuertes lluvias, rodeado de vacas sagradas, serpientes, aves, pavos reales y ascetas. La fauna y la flora que acompaña las escenas varían según la estación: los lotos predominan como telón de fondo en verano, y el patrón “jamawar” en invierno. Se conserva una importante colección de pinturas pichhwai en el Museo Metropolitano de Nueva York.Read more

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  • 6d 1h
Low estimate
2 500 USD

Seguidor de JAN BRUEGHEL “El viejo” (Bruselas, 1568 - Amberes, 1625)

Seguidor de JAN BRUEGHEL “El viejo” (Bruselas, 1568 - Amberes, 1625). ; Siglo XVII. “Diana y sus ninfas, sorprendidas por sus sátiros”. Óleo sobre tabla. Engatillada. Presenta leves repintes. Medidas:63 x 109 cm. El cuadro parece representar el momento en el que, después de una cacería, Diana y una de sus ninfas caen exhaustas y se quedan dormidas. Mientras duermen, aparece un sátiro que las sorprende en ese estado tan vulnerable. En la pintura, Diana se recuesta sobre un árbol casi sin ropa, a excepción de un manto rojo que le cubre el regazo; sobre la cabeza lleva una tira de perlas entrelazadas en el pelo y en la frente una media luna, símbolo de su divinidad. La ninfa, completamente vestida, se recuesta junto a ella en una posición que podría calificarse de incómoda, y entrelaza su brazo con el de Diana. Ambas mujeres aparecen dormidas con los ojos cerrados. A los pies de la diosa se encuentran uno de sus perros, también dormido, su carcaj y su arco, que también hacen referencia a su condición de diosa de la caza. Al otro lado, los cuerpos sin vida de pájaros, conejos y ciervos forman una naturaleza muerta espectacular. Sobre éstos hace su entrada el sátiro, una criatura masculina mitad hombre mitad carnero, con orejas puntiagudas y cuernos; los sátiros solían acompañar al dios Pan y muchas veces vagaban por bosques y montañas; además, perseguían incesantemente a las ninfas para aplacar su deseo sexual. El sátiro, con un dinamismo que se contrapone a las figuras estáticas de Diana y la ninfa, parece estar preparado para retirar el manto que cubre a la diosa. Nacido en una ilustre familia de pintores, Jan Brueghel, también llamado “de Velours” o “El Viejo” fue hijo de Pieter Brueghel el Viejo y nieto de Pieter Coecke y Mayken Verhulst quien, según la historiografía clásica, habría sido su primera maestra, tras la muerte de su padre cuando era solo un niño. Su formación oficial transcurriría bajo el maestrazgo de Pieter Goetkind, y, aunque la obra de su padre ejercería una fuerte influencia y atracción sobre él, sería capaz de desarrollar un estilo propio, muy personal. Jan Brueghel el Viejo sería, a su vez, padre de Jan Brueghel el Joven, discípulo y colaborador. Su exquisita técnica pictórica le valdría el sobrenombre “de Velours”, esto es, “de terciopelo”, así como también “de las Flores” o “del Paraíso” por algunos de los temas recurrentes de sus creaciones. A lo largo de su carrera trabajaría en colaboración con otros artistas y dirigiría un importante taller, con numerosos discípulos y seguidores que prolongan sus fórmulas artísticas a lo largo de los siglos XVII y XVIII. Aunque formado en el entorno flamenco, en 1590 viajó a Italia, recorriendo Nápoles, Roma y Milán, donde conocería al cardenal Federico Borromeo, quien se convertiría en mecenas y admirador hasta su muerte. En 1596 se instaló en Amberes, donde transcurriría el resto de su carrera. A lo largo de su vida lograría un gran éxito profesional y numerosas distinciones, así como el favor de importantes personajes. En 1601 sería nombrado decano del Gremio de san Lucas. En 1604, tras una estancia en Praga, entraría en contacto con los archiduques Alberto e Isabel Clara Eugenia, que le distinguirían con su admiración. El estilo de Brueghel parte de la tradición flamenca del siglo XVI: la influencia de los grandes paisajistas como Patinir, Met de Bles, Cornelis van Dalem o su propio padre se hace patente en las piezas fechables a finales del siglo XVI. En las primeras décadas de la siguiente centuria, sin embargo, sus paisajes se transforman: las líneas horizontales empiezan a dominar las composiciones, que se despojan de los elementos pintorescos tan del gusto de su padre para convertirse en vistas más realistas, en paisajes dominados por las llanuras, menos boscosos e imaginarios.Read more

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  • 6d 1h
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17 300 USD

LUIS GORDILLO (Sevilla, 1934) Sin título, de la serie “Celulares”

LUIS GORDILLO (Sevilla, 1934) Sin título, de la serie “Celulares”. Litografía. Firmada y numerada a lápiz, ejemplar 9/30. Medidas: 76 x 56 cm. Luis Gordillo es una de las principales figuras del arte abstracto en España. Después de estudiar derecho y música ingresó en la Escuela de Bellas Artes de Sevilla. Entre 1958 y 1960 residió en París, donde pudo conocer un ambiente artístico y cultural lleno de libertad que le influyó profundamente. Sus primeras obras se mueven dentro de los registros del informalismo, siguiendo las pautas de Michaux, Tapies, Millares, Wols, etc. Más tarde evolucionaría hacia la estética Pop, de la que es uno de los pioneros en España. Más adelante Gordillo añadiría a su particular estilo la investigación tecnológica, la transformación de las imágenes en los media y la creación fotográfica, explorando las relaciones entre pintura y tecnología. De gran prestigio internacional, ha sido distinguido con el Premio Nacional de Artes Plásticas (1981), la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes (1996), la Medalla de Oro del Círculo de Bellas Artes de Madrid (2004) y el Premio Velázquez de Artes Plásticas (2007). Asimismo, ha sido distinguido en 2008 con la Orden de Caballero de las Artes y las Letras de Francia por el ministerio francés de Cultura y Comunicación. Ha expuesto individualmente por todo el mundo, y está representado en el el Museo Reina Sofía de Madrid, MACBA de Barcelona, la Fundación Juan March, el ARTIUM de Vitoria, el Museo Patio Herreriano de Valladolid, la Fundación Gulbenkian de Lisboa, el Folkwag Museum de Alemania, etc.Read more

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  • 6d 23h
Low estimate
430 USD

Francisco Lozano Sanchís (Antella, Valencia, 1912 – Valencia, 2000)

Francisco Lozano Sanchís (Antella, Valencia, 1912 – Valencia, 2000). "Dunas". 1990 Óleo sobre tabla. Medidas: 24 x 33 cm; 40 x 49 cm (marco). Pintor, docente y miembro de las Reales Academias de Bellas Artes de San Fernando y San Carlos, Francisco Lozano se interesó por la pintura desde su juventud, y con dieciséis años inició su formación en la Academia de San Carlos de Valencia. Posteriormente prosiguió sus estudios en la Residencia de Pintores de La Alhambra, y tras la guerra civil comenzó a darse a conocer. Su carrera se afianzó en la década de los cuarenta, cuando comienzó a exponer regularmente en Madrid y otras ciudades. En la capital será bien acogido por Eugenio d'Ors, de cuya mano expuso en la galería Estilo, y quien le puso en contacto con los círculos artísticos e intelectuales del Madrid de la época. Pintor ante todo mediterráneo, su obra se centró ya desde sus inicios en el paisaje, si bien de la influencia inicial de Sorolla irá evolucionando hacia un lenguaje más personal, aunque igualmente sensible a la luz y el color. El suyo es un paisaje sintético, ordenado y austero, completamente moderno. Entre 1951 y 1952 viaja a París becado por el gobierno francés, y a su regreso su reconocimiento se completa con el primer premio de la Exposición Nacional de Bellas Artes. Ese mismo año cosechó también un gran éxito en la Bienal de Venecia. A partir de entonces compaginó la práctica artística con la docencia en la Academia de San Carlos, donde ocupó un puesto de profesor entre 1955 y 1977. En paralelo, celebró importantes exposiciones en España, Sudamérica, Estados Unidos, Alemania y Reino Unido, entre otros países, principalmente de la Europa mediterránea. Lozano fue socio de honor del Círculo de Bellas Artes (1952), miembro del Consejo Valenciano de Cultura (1986) y doctor honoris causa por la Universidad Politécnica de Valencia (1994), y en 1993 se le dedicó una importante exposición retrospectiva en el IVAM. Actualmente conservan obra suya museos como el Reina Sofía de Madrid, el de la Fundación Mendoza de Caracas, el Camón Aznar de Zaragoza, el IVAM de Valencia o el de Bellas Artes de Montevideo, entre otros.Read more

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  • 11d 1h
Low estimate
2 500 USD

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Setdart Spain's first online only auction house's Asian art sale set to attract global bidders
Setdart, Spain's first online only auction house will be hosting a sale dedicated to Asian art ending on 23 June.

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